Art Nouveau – Pintura e artesanato

Por volta de 1900, a Arte Nova não só mudou fundamentalmente a arquitetura, mas também toda a cultura visual da Europa. A pintura, a arte gráfica, o vidro, a cerâmica e a joalharia tornaram-se portadores de uma nova estética que elevou a natureza, a feminilidade e o artesanato a um programa. O que começou como uma rebelião contra o historicismo académico é agora um capítulo indispensável da história da arte.

A história da arte conhece poucas épocas que tenham abraçado simultaneamente todos os géneros com uma consistência comparável. Enquanto a pintura académica do final do século XIX se agarrava a temas mitológicos e a pinturas históricas heróicas, noutros locais havia um desejo crescente de uma arte que se centrava no vivo, no sensual e no imediato. Este desejo deu origem a um movimento que tratava conscientemente a arte erudita e a arte aplicada em pé de igualdade – um cruzamento programático de fronteiras que teve um impacto duradouro na compreensão modernista da arte. Os nomes variavam consoante o país: Art Nouveau em França e na Bélgica, estilo Secessão na Áustria, Stile Liberty em Itália. O que todos estes estilos tinham em comum era a convicção de que a beleza não devia ser um privilégio dos grandes géneros, mas devia penetrar na vida quotidiana – na colher, no vaso, no cartaz, no livro.

Na pintura e na arte gráfica, a Arte Nova manifestou-se sobretudo através de uma nova apreciação da linha. Os contornos fluidos, em vez da modelação escultural, tornaram-se o elemento central do design. Gustav Klimt, a figura imponente da Secessão de Viena, desenvolveu um estilo de decoração quase maníaco: em obras como „O Beijo“ ou o Friso de Beethoven, o mosaico de ouro bizantino é combinado com imagens simbolistas para criar uma visão global que funde inseparavelmente erotismo e transcendência. A superfície domina a profundidade, o ornamento torna-se uma declaração de conteúdo.
Em Munique e Paris, os artistas perseguem objectivos semelhantes de forma diferente. Franz von Stuck encenou figuras femininas mitológicas numa linguagem pictórica que oscila entre a demonização simbolista e o requinte decorativo. Alphonse Mucha voltou-se de forma ainda mais consistente para o grafismo aplicado: os seus cartazes que mostravam a atriz Sarah Bernhardt estabeleceram uma nova fórmula pictórica da Arte Nova – cabelos fluidos e esvoaçantes, molduras florais em torno de uma figura feminina como centro ornamental. Os cartazes de Mucha foram reproduzidos milhões de vezes e caracterizaram a imagem pública de toda uma época.
A arte dos livros conheceu o seu próprio ponto alto. Em Inglaterra, Aubrey Beardsley e o movimento Arts and Crafts, em torno de William Morris, tinham realizado um importante trabalho preparatório: ilustrações a preto e branco com linhas extremamente refinadas, tipos de letra gravados à mão, design de páginas ornamentais. Estes impulsos tiveram um impacto muito para além da ilha e desaguaram na produção gráfica da Arte Nova europeia.

Em nenhum outro lugar a aspiração da Art Nouveau é mais tangível do que nas artes e ofícios. O vidro, a cerâmica, a joalharia, o mobiliário e os têxteis tornaram-se campos de ambição artística nos quais se desenvolveram algumas das obras mais importantes da época. Émile Gallé, em Nancy, criou vidros cujas superfícies se assemelham a fragmentos de um atlas botânico: Musgos, libélulas, plantas aquáticas e folhas de outono foram fundidos, gravados e gravados em vidro com várias camadas. Os seus objectos questionavam deliberadamente a fronteira entre a observação da natureza e a produção de arte. René Lalique revolucionou a joalharia. As pedras preciosas foram substituídas por esmalte translúcido; em vez de esplendor representativo, surgiu uma linguagem formal da vida. Libélulas, penas de pavão e nus femininos tornam-se portadores de uma estética que combina fragilidade e luxo de uma forma única. As jóias de Lalique foram rapidamente consideradas como um objeto de coleção de primeira ordem e continuam a sê-lo até aos dias de hoje. Em Viena, as oficinas da Wiener Werkstätte – fundadas em 1903 por Josef Hoffmann e Koloman Moser – trabalhavam segundo o princípio da perfeição artesanal em série. Móveis, pratas, tecidos e postais foram criados de acordo com princípios de design uniformes que combinavam rigor geométrico com ornamentação fina. Tratava-se também de uma variante da Arte Nova, mas que prefigurava as intenções formais racionais da Bauhaus posterior.

Todas as épocas precisam dos seus protagonistas e a Arte Nova teve uma densidade invulgar de personalidades notáveis. A par de Klimt, Mucha e Gallé, artistas como Koloman Moser, Henry van de Velde e Jan Toorop contribuíram para moldar a imagem da época. Van de Velde, pintor e desenhador belga, concebeu interiores, livros e vestuário com o mesmo espírito criativo e escreveu textos teóricos que formulam sucintamente a vontade de reforma estética da época.
O que unia estas figuras era mais do que um estilo comum: era a convicção de que a arte tinha uma função social. A beleza não deveria servir a auto-representação burguesa, mas deveria permear e enriquecer a vida de todas as pessoas. Esta aspiração falhou, em parte, devido às realidades económicas da produção em massa e, em parte, devido à sua própria exclusividade – as jóias de Lalique e os objectos de vidro de Gallé continuaram a ser inacessíveis para a maioria das pessoas. No entanto, o legado desta época perdura até aos dias de hoje. Os museus de Paris, Viena, Bruxelas e Nancy conservam e apresentam as suas obras como testemunho de uma época em que a arte procurou alargar radicalmente a sua esfera de influência. E nos debates sobre o design contemporâneo, a qualidade do artesanato e o design estético da vida quotidiana, as questões da Arte Nova continuam a ressoar – sem resposta e vivas ao mesmo tempo.